Arte subrealista

   

Podemos decir que la definición de arte surrealista es un modelo que busca inspirar cambios surrealista con obras conceptuales sin necesidad de que estas sean figurativas. Este movimiento empezó en  Francia por lo que el dadaísmo tomo fue una de sus bases en la década de 1920, se desarrolla como una manera de poder olvidar la realidad  y encontrar alguna forma de que el artista se encierre en sí mismo, un impulso psíquico  de lo imaginario y lo irracional. Surgió como parte del avance de las vanguardias artísticas que querían  representar ideales diferentes a los academicistas, rompiendo las leyes de la pintura tradicional y con un fin de  llamar la atención del espectador de manera directa, con imágenes no realistas y en muchos casos ni siquiera figurativas.

Arte contemporneo

arte contemporaneo:

Como arte contemporáneo se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a partir del siglo XX.

Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en el siglo XVI.

No obstante, existen tres criterios que se usan para determinar el momento a partir del cual podemos denominar como contemporáneas las expresiones artísticas de nuestra época que son arte y edad contemporánea; arte contemporáneo y vanguardismo, y arte contemporáneo y posmodernidad. 

Arte contemporáneo y vanguardismo

Otro criterio utilizado para considerar las producciones artísticas como manifestaciones contemporáneas juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de los inicios del siglo  

Estas propuestas artísticas se distinguieron por presentar, tanto a nivel formal como conceptual, una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental.

Arte y edad contemporánea

La maja desnuda, Francisco de Goya, 1800

Uno de los criterios más amplios vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la Revolución francesa (1789-1799).

En este sentido, el arte contemporáneo comienza con el Romanticismo que se caracterizó por enfatizar la libertad, la individualidad, la sentimentalidad y subjetividad.

Arte contemporáneo y vanguardismo

Otro criterio utilizado para considerar las producciones artísticas como manifestaciones contemporáneas juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX.

Raíces, Frida Kahlo, 1943

Estas propuestas artísticas se distinguieron por presentar, tanto a nivel formal como conceptual, una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental.

Algunos movimientos artísticos contemporáneos de relevancia, en este sentido, serían el dadaísmo, fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo y el surrealismo

Arte contemporáneo y posmodernidad

Mona Lisa with bazooka rocket, 2010 (izquierda) y Protesta interactiva por el desalojo con lacrimógenas de refugiados de Síria en el campamento de Calais, 2016 (derecha), BANKSY

Finalmente, existe un tercer criterio que toma como punto de partida el inicio de la Posmodernidad (tradicionalmente ubicado entre fines de la década del 60 e inicios de los años 70) o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945.

arte moderno

el arte moderno:

Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.

Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, como Art Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países Bajos  y Liberty o Floreale, en Italia.

Arte renacista

renacista:

El arte renacentista fue un movimiento artístico que se dio en el paso entre el mundo medieval (Edad Media) y el mundo moderno (Edad Moderna) en Europa occidental.

A pesar de que surgió en el siglo XV (y se extendió hasta el primer tercio del siglo XVI), se han podido determinar influencias previas que actuaron como antesala del Renacimiento ya en los siglos XIII y XIV. El núcleo o nacimiento de este arte fue en Italia, aunque rápidamente se extendió por toda Europa occidental.

Con el arte renacentista se intentó retomar los conceptos artísticos grecorromanos (griegos y romanos). Fue, en otras palabras, una vuelta a resaltar los ideales de la edad antigua.

Durante el arte renacentista se distinguieron dos períodos:

El quattrocento (siglo XV). EnTanto la arquitectura como la escultura nacieron en Florencia, Italia. En la escultura se distinguieron Miguel Ángel y Donatello. Esta técnica se inspiró en el período helénico de la antigüedad y fue fundamentalmente de carácter religioso, aunque también se destacó el estudio del desnudo y de la anatomía. En cuanto a los materiales, se utilizaban el mármol y el bronce.

En la arquitectura también se destacó Miguel Ángel y se diferenciaron dos tipos de edificios:

• Los religiosos (iglesias)
• Los civiles (laicos y urbanos)
•  este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo.

El cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época tales como Shakespeare, Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre  otros.

El arte en la edad media

edad media:

El Arte en la Edad Media cubre un arco temporal que va del siglo IV al Gótico Internacional (primera mitad del siglo XV), centrándose en los nexos históricos y culturales, los momentos centrales y las líneas de desarrollo de las artes más significativas durante toda la Edad Media en el territorio de la Europa occidental. La atención prestada a la difusión europea de las grandes corrientes artísticas responde a la convicción de que una verdadera historia del arte medieval no podrá nunca prescindir de ese conjunto de confrontaciones, préstamos y mutaciones que se daban continuamente en esa época entre diversas manifestaciones artísticas y distintos territorios geográficos. De este modo, la atención dedicada a las diversas expresiones de las llamadas “artes menores” (miniatura, orfebrería y marfil) pretende subrayar la importancia que estas tenían por su capacidad de expresar de una manera más rica y significativa el gusto y la creatividad de la época, no por ello sin dejar de ver los máximos exponentes de la pintura y la arquitectura medievales. En resumen, una obra imprescindible para comprender el arte medieval.

Arte Clasico: Roma

Roma

El arte de la Antigua Roma evoluciona del arte etrusco hacía el arte griego con el avance del poder de Roma en toda la península italiana durante los siglos IV y III a.c, la influencia del arte griego aumenta con la ocupación romana de Macedonia y Grecia en el siglo II a.c. El arte romano es bastante homogéneo desde el siglo II a.c hasta la caída del imperio romano de occidente en el año 476 d.c

La arquitectura de la Antigua Roma es la muestra de arte más importante de la civilización romana. Grandes edificaciones muy sólidas de las que muchas han perdurado con el tiempo. Se homogeneizaron las técnicas constructivas, teniendo construcciones similares en lugares alejados por miles kilómetros entre ellos. Su origen es la arquitectura etrusca, que evoluciona a la influenciada por Grecia, sobre todo después de las guerras púnicas. Construyeron acueductos, calzadas  kilométricas, termas, circos, arcos triunfales, anfiteatros, puentes, foros, grandes edificios con arcos y bóvedas.

Arte Clasico: Grecia

Grecia

Al final del llamado periodo arcaico, un periodo de esplendor y de expansión de la floreciente cultura griega, la ciudad preponderante tanto económica, cultural y políticamente será la capital del Ática, Atenas.

En el s. VI se dieron significativos cambios políticos con  el paso de las monarquías-aristocracias a tiranías: la  palabra "tirano" no tenía entonces  el significado peyorativo de ahora, simplemente designaba al gobernante que llegaba al poder derrocando al anterior, muchas veces con el apoyo del pueblo. Más tarde, los abusos de poder le darán la connotación de gobierno impuesto por la fuerza.

En Atenas del s.VI llegan de este modo al poder el tirano Pisístrato, con el apoyo popular, y cuyo gobierno se consideró benéfico para los Atenienses, embelleciendo Atenas y llevándola a una época de espledor.

quitectura

En arquitectura se continúa con las órdenes arquitectónicas desarrolladas en la época arcaica: el dórico y el jónico. Sigue la arquitectura monumental orientado sobre todo al templo, aunque también destacan obras civiles, de las que han quedado sobre todo los teatros, el más conocido el de Epidauro.

El mayor ejemplo en dórico es el Partenón, templo de Atenea Partenos en la Acrópolis ateniense, obra de los arquitectos Ictino y Calícrates bajo la supervisión de Fidias. Pericles quería reconstruir el templo de Atenea, patrona de la ciudad, para agradecer a los dioses la victoria en las Guerras Médicas; se diseñó para albergar en su parte central la gran estatua crisoelefantina (de oro y marfil) de la Atenea Partenos realizada por Fidias, quien decoró también los frisos, los tímpanos y las metopas con esculturas representando el nacimiento de Atenea, de la procesión de las Panateneas y de la lucha de los centauros y lapitas.

En el estilo Jónico destacó el Templo de Artemisa en Éfeso, el cual fue una de las Siete Maravillas del mundo y del que quedan algunas ruinas; y el templo de Atenea Niké, también en la Acrópolis, dedicado a la victoria (=niké) en la Batalla de Salamina.

A finales del siglo V surge el estilo corintio, procedente del jónico. Se define por una mayor estilización de las columnas  y sus característicos capiteles decorados con hojas de acanto. El friso es una banda continua, sin metopas ni triglifos y el fuste estriado. Como ejemplo destaca la llamada Linterna de Lisícrates, erigida en el 335 a.C. para conmemorar el premio en el certamen de teatro ganado por Lisícrates, director de coro. El estilo corintio será uno de los más utilizados posteriormente por los romanos.

Escultura

La escultura griega clásica se conoce sobre todo por copias de época romana. Hay escasas esculturas originales griegas: por desgracia, muchas se perdieron en la Edad Media , suprimidas por cristianismo para acabar con los restos del paganismo; el mármol se calcinó y convirtió en cal y las estatuas de bronce fueron fundidas. Igual destino  sufrieron las grandes estatuas de Zeus Olímpico y de Atenea Partenos, elaboradas en valioso oro y marfil y que llegaron a alcanzar entre 10 y 12 metros de altura.

La escultura griega se conoce sobre todo por las copias romanas. Hay raras excepciones los frisos del Partenón, algunas esculturas halladas en excavaciones como la Victoria de Samotracia y la Venus de Milo y en restos de naufragios, como los bronces de Riace o el Dios de cabo Artemisio, también de bronce.

Muchas veces aparece unida a la arquitectura: en los templos se sitúan en  frisos, metopas y tímpanos; era policromada, aunque no han quedado apenas restos de la cobertura polícroma. Esta característica puede chocar a nuestra visión del arte griego, reforzado en el Renacimiento y Neoclasicismo, de templos y esculturas en frío mármol blanco, frente a lo que debió ser, gustando los griegos de jugar con vivos tonos azules y rojos